Encontrar un estilo propio no suele ser sencillo, pero, a la vez, debe surgir de forma natural. A través del trabajo, de la experimentación, de horas probando, dejándonos llevar, analizando…; de dudas, de síndrome del impostor, de frustraciones… Crear, como todo en la vida, trae muchas alegrías pero también sus amarguras.
Un ejercicio perfecto para aprender y, quizás, desbloquearse, es poner en práctica estilos que ya existen. No es nada nuevo. Se sabe que muchos de los grandes maestros iban a museos como el Prado para aprender copiando de los grandes que les precedieron.
No solo es sumamente instructivo, sino que es una práctica perfecta para encontrar nuestro camino. En el proceso surgirán respuestas a preguntas como:
- ¿Qué formas me resultan más intuitivas? ¿Más geométricas?, ¿más orgánicas?, ¿manchas?…
- ¿Qué técnica me ayuda a conseguir el resultado que me gusta o con cuál o cuáles me siento más cómodo? ¿Y si las combino?
- ¿Qué tipo de acabado me funciona mejor? ¿Con la pincelada a la vista? ¿O mimetizada?
- ¿Me interesa lo figurativo? ¿O tiendo a la abstracción? ¿En qué parte del espectro quiero estar?
- ¿Qué temas me interesa representar? ¿Busco una parte más conceptual o formal? ¿O las dos?
- ¿Tiendo a paletas coloridas y vibrantes? ¿Reducidas?
ALGUNOS ESTILOS ARTÍSTICOS PARA PRACTICAR
Estos estilos pictóricos pertenecen a los dos siglos pasados y son una opción para empezar a encontrarte como artista, dibujante, ilustrador o a donde te lleve la vida. Como muestra de ello, algunos ya han sido reinventados por artistas contemporáneos que les han dado una vuelta, han ido un paso más allá trayéndolos a este siglo:
IMPRESIONISMO
Durante la segunda mitad del siglo XIX, surge en Francia un estilo pictórico al que se denominó impresionismo. El nombre viene del comentario despectivo que hizo un crítico de la epoca sobre el cuadro de uno de sus representantes, Claude Monet, titulado Impresión sol naciente. Renoir, Manet, Degas…, y Sorolla en España, se enmarcan en esta corriente pictórica.
El impresionismo se caracteriza por tratar de plasmar la luz y el instante a través del uso del color. Las manchas crean vibraciones al ser observadas a cierta distancia, estas vibraciones modelan la figura y a la luz.
Sus temas favoritos eran la figura humana en cualquier actividad (bullicio, cafés, circos, bailarinas…). También los retratos, los paisajes (agua, ríos, la industria, el ferrocarril…) y los interiores.
¿Cómo podrías tú acercarte al impresionismo en tu pintura?
- El dibujo queda relegado. Olvídate de líneas, puedes plantear un boceto previo pero céntrate en la mancha.
- Juega con los colores primarios y secundarios.
- La teoría del color te ayudará en ese sentido. ¿Quieres oscurecer un tono? Usa un color complementario.
- Mezcla los colores directamente sobre el lienzo o juega con el efecto que producen los tonos yuxtapuestos.
- El color negro queda desterrado. Sustitúyelo por tonos fríos y colores oscuros, como el morado y el azul.
- El blanco y los tonos claros llenan las pinturas impresionistas de luz. Úsalos tú también en tu obra.
- Los pequeños detalles carecen de importancia. Céntrate en la impresión general.
Impresionismo y arte contemporáneo
¿Cómo se apropia el arte contemporáneo del impresionismo y cómo lo reinterpreta?
El uso y estudio del color y la luz de este estilo pictórico siguen inspirando a muchos pintores. Un ejemplo lo vemos en la artista vasca Alai Ganuza.
Ella usa la teoría del color de una forma muy especial. Mezcla colores primarios y secundarios moldeando sus figuras con el color a través de pinceladas expuestas. La vibración que produce la saturación de sus colores, cómo los exagera y altera con sentido lógico, la llevan a crear un estilo propio, luminoso y muy personal.
POSIMPRESIONISMO
La siguiente etapa se desarrolla desde aproximadamente 1875 hasta principios del siglo XX en Francia y Europa. Sus máximos exponentes son Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Seurat…
El posimpresionismo es una evolución y ampliación del impresionismo, pero con un carácter más vehemente: trata de plasmar la expresividad de la luz y el instante a través de la alteración del color y de la forma.
Tratan los mismo temas que en el impresionismo: figura humana, retratos, paisajes e interiores.
¿Cómo podrías tú acercarte al posimpresionismo en tu pintura?
- Tomado del impresionismo, sigue presente el modelado a través del color. Usa planos, manchas o puntos de color para crear formas.
- Lo mismmo ocurre con los colores primarios y secundarios del estilo anterior. Busca las vibraciones que se crean al observarse desde cierta distancia.
- Sigue dándose mucha importancia a la teoría del color, pero empieza a ser clave la psicología del color. Úsala para darle una percepción más emocional a tu obra.
- El negro se usa poco, y el blanco, el amarillo y los colores claros siguen llenando las pinturas de luz. Reemplaza el negro por tonos fríos.
- Emplea colores saturados y pinturas coloridas. No tengas miedo de alterar la realidad en este sentido.
- Distorsiona la forma. Tampoco tengas miedo de deformar, aunque sea una pintura realista, para dotar de un carácter más expresivo tu obra.
¿Cómo se apropia el arte contemporáneo del posimpresionismo?
Este estilo sigue muy vivo hoy en día y es fuente de inspiración para muchos artistas.
Alai Ganuza podría encajar aquí también perfectamente, por cómo altera el color en sus pinturas. Los límites entre estilos no son rígidos y puedes inspirarte en varios a la vez (igual que muchos de ellos se nutren los unos de los otros) o aprender algo de cada uno, solo tienes que entenderlos poniéndolos en práctica.
Pero nos vamos a centrar en Herb Williams. Este artista es, sobre todo, escultor, aunque si hay algo que caracteriza el arte contemporáneo es que las fronteras entre disciplinas se han difuminado. Herb Williams suele usar puntos para crear. Bien sea sobre soporte plano o con volumen, sus obras suelen tener esa dimensión escultórica. El puntillismo es una de las técnicas del posimpresionismo y Williams la lleva un paso más allá: lleva el puntillismo a la tercera dimensión.
Los puntos a menudo están creados con ceras tipo Crayola. Esto nos habla de la influencia del movimiento Fluxus en el trabajo de este artista. El arte Fluxus se caracteriza por la sencillez y banalidad de sus materiales, aquellos que se someten al paso del tiempo, por los que el tiempo fluye. Williams usa estos materiales cotidianos para crear composiciones cromáticas, que además desprenden un aroma único que a muchos nos transporta a nuestra infancia.
Las vanguardias
Muchos dicen que el arte contemporáneo empieza en este momento, con las vanguardias. Otros dicen que empieza después de la Segunda Guerra Mundial y otros lo retrasan a la década de los 70. Además, suele resultar confuso hablar de arte contemporáneo en el sentido de coetáneo a nosotros, o de arte contemporáneo como etapa histórica. De la misma manera, hablamos de arte moderno en contraposición al arte clásico, independientemente de su fecha, pero también hablamos de arte moderno como esa etapa histórica que abarca desde el impresionismo hasta las vanguardias, incluidas o sin incluir.
FOVISMO
A principios del siglo XX, hacia 1904, surge una de las primeras vanguardias (por no decir la primera) en Francia. Como referentes, encontramos a Matisse y a Vlaminck, pero muchos otros artistas coetáneos fueron influidos por esta vanguardia cuyo nombre significa las fieras.
El fauvismo, o fovismo en español, sigue teniendo una enorme influencia del impresionismo y del posimpresionismo. La evolución es evidente: trata de plasmar la luz y el instante a través del uso provocativo de color. Lo estudia desde un punto de vista formal a la vez que emocional.
Siguen tratando temas impresionistas como interiores, retratos, paisajes y figura humana, pero también incorporan bodegones de objetos cotidianos.
¿Cómo podrías tú acercarte al fovismo en tu pintura?
- Siguen usando colores primarios y secundarios. Utilízalos tú también.
- Igualmente, emplean colores fríos, como los morados y los azules, para las sombras. Evita usar negros.
- Sigue siendo importante la teoría y psicología del color. Úsalas en tu favor para provocar y darle una dimensión emocional a tu obra.
- Puedes incorporar detalles y motivos decorativos.
- El modelado, el claroscuro y la perspectiva pasan a un plano secundario. Usa los contrastes entre planos de color para crear profundidad. También puedes usar contornos oscuros.
- Dentro de cierta abstracción en forma y color, debe ser figurativo e identificable.
- Los trazos pueden ser más o menos toscos, pero intenta que haya cierta espontaneidad en el resultado.
¿Cómo interpreta el arte contemporáneo la pintura fovista?
El uso del color, al estilo de los artistas pertenecientes a esta corriente, sigue muy presente y ha trascendido a todos los soportes artísticos, incluidos los digitales y urbanos.
Mina Hamada es, junto a su pareja Zosen Bandido, la precursora del neofovismo. Aunque, quizás, simplemente sean los primeros en autodenominarse así, la herencia es inevitable e innegable. Ellos mismos afirman que, al igual que los fovistas, el poder del color les ayuda a dotar a sus obras de un mayor carácter expresivo. El color les sirve para expresar sentimientos y simplificar la representación formal en favor de la fuerza que aportan los tonos saturados vibrantes.
Se han servido de ese principio fovista para darle sentido a su trabajo. A veces es fácil crear sin pararse a pensar, pero el discurso va surgiendo a medida que afianzas tu estilo, aprendes y entiendes el pasado.
EXPRESIONISMO
Otra de las primeras vanguardias fue el expresionismo que surge también a principios del siglo XX, hacia 1910, en Alemania y Europa. Como referente más conocido encontramos a Munch, Franz Marc, Schiele y Kirchner, pero muchos otros artistas también se inspiraron en este movimiento.
Los expresionistas afirman que la expresión de los sentimientos del artista debe primar sobre la representación de la realidad.
Los temas giran en torno al ser humano. Son muy comunes temas emocionales y prohibidos.
¿Cómo podrías tú acercarte al expresionismo en tu pintura?
- Distorsión de las formas. Acentúa y deforma las figuras en función de lo que quieras expresar.
- Líneas violentas o suaves. Analiza la emoción para utilizar el tipo de línea que te ayude a plasmarla.
- Colores intensos, planos y arbitrarios. Busca los contrastes de color que te ayuden a expresar lo que quieres.
¿Cómo se apropia e interpreta el arte contemporáneo el expresionismo?
El neoexpresionismo surge a finales de los años 60 en Alemania y se extiende hasta Estados Unidos. Es el ejemplo perfecto de cómo un estilo pictórico evoluciona sin remedio.
Jean-Michel Basquiat incorpora este estilo a su obra y se podría decir que es una de las figuras más importantes de esta nueva corriente.
Su arte es impulsivo, primitivo, con influencias del arte pop, del grafiti, del expresionismo abstracto y del expresionismo de principios del siglo XX. Pinturas eclécticas con un fuerte componente de expresionismo gestual, técnica que reinterpretó e hizo suya junto a todas las influencias que le llevaron a ser el artista afroamericano más exitoso en la historia del arte. Aunque en este sentido sabemos que todavía hay mucho por hacer, es un personaje clave en la inclusión y diversidad en el arte.
CUBISMO
Es a principios del siglo XX, hacia 1907, cuando surge una de las vanguardias más conocidas en Francia y Europa. Sus referentes son Picasso, Juan Gris y Georges Braque.
El cubismo trata de descomponer y deconstruir la realidad a través del análisis y la síntesis de las formas.
Los temas son naturalezas muertas, generalmente bodegones, y figura humana, en especial el retrato.
¿Cómo podrías tú acercarte al cubismo en tu pintura?
- Emplea formas sintéticas. Busca formas geométricas y sencillas, como cubos y prismas.
- Los objetos parecen estar en un mismo plano. No busques volumen, profundidad, ni claroscuros.
- Juega con múltiples perspectivas. Intenta que las formas se vean desde varios puntos de vista a la vez.
- Superposiciona planos. Puedes dibujar también lo que normalmente no se vería porque quedaría tapado.
- El fondo suele carecer de importancia. Céntrate en el análisis de la forma.
- Practica el collage: utiliza papel, metal, cuerdas… Experimenta con esta técnica tan utilizada por los cubistas del siglo XX.
¿Cómo se apropia el arte contemporáneo del cubismo y cómo lo reinterpreta?
Belin es un artista español que ha dado forma al término posneocubismo. Este concepto, como has debido imaginar, ya había dado una vuelta por el neocubismo y, siguiendo su trayectoria con influencias surrealistas, simbolistas y realistas, ha llegado hasta el siglo XXI.
Belin ha llevado este estilo al futuro aportando una visión única y personal. Geometría e hiperrealismo en formatos grandes, en su mayoría muros pintados con espray, descomponen las figuras en múltiples perspectivas llenas de detalle, volumen, geometría y color.
FUTURISMO
Hacia 1909 surge en Italia el futurismo muy ligado al fascismo. Sus representantes son Marinetti, Umberto Boccioni y Giacomo Balla, aunque algunos artistas como Marcel Duchamp también tienen pinturas futuristas.
Teniendo como modelo las máquinas, trata de expresar movimiento, fuerza, violencia, velocidad, energía y deshumanización a través de la forma y el color.
Los temas son industriales, temas del día a día del mundo moderno: ciudades, coches, bullicio, máquinas, deporte, guerra…
¿Cómo podrías tú acercarte al futurismo en tu pintura?
- Piensa en el movimiento, trayectoria y fuerza de lo que quieres representar.
- Usa formas y colores que generen ritmos. A través de la repetición de líneas y detalles puedes crear esta sensación.
- Aplica colores vibrantes.
¿Cómo se apropia el arte contemporáneo del futurismo?
El futurismo ha sido asimilado por otras corrientes artísticas como el Op Art, o arte óptico en español. El Op Art surge en los años 60 y tiene muchas influencias del futurismo, del dadaísmo y del constructivismo, entre otros. Utiliza la percepción visual del espectador en su favor y requiere de una participación activa de este.
Es muy habitual encontrar formas y colores que se repiten, creando patrones y ritmos muy parecidos a los del futurismo. Gracias a estas repeticiones se provocan sensaciones de movimiento.
Felipe Pantone es un artista español que utiliza el color y la luz en degradados saturados, formas geométricas e ilusiones ópticas que producen sensaciones de movimiento y dinamismo, incluso en ocasiones se trata de móviles y obras interactivas. Él mismo se ve como la colisión entre el futuro digital y el pasado analógico. En sus obras evoca la fusión entre lo humano y lo mecánico; es la intersección entre tecnología y arte, otra característica clave heredada del futurismo.
Constructivismo
Justo antes de la Primera Guerra Mundial surge en Rusia el constructivismo muy ligado al comunismo de la Unión Soviética, al cubismo, supremacismo y abstracción. Sus principales precursores en pintura son Vladímir Tatlin, Aleksandr Ródchenko y Liubov Popova.
El constructivismo se basa en la funcionalidad, la relación tecnología y arte, la industria y lo antiburgués. Cuestiona el arte y plantea que debe ser creado de forma racional y objetiva.
¿Cómo podrías tú acercarte al constructivismo en tu pintura?
- Sintetiza forma y color. Organiza los planos para que con lo mínimo cobre sentido.
- Usa formas y líneas geométricas pesadas. Los volúmenes carecen de importancia.
- Reniega de la ornamentación. Quédate solo con aquello que sea funcional.
- Busca una paleta reducida. Usa pocos colores saturados junto al negro y blanco.
- Dale un repaso a la psicología del color para que el color también tenga su función.
- Prueba a incorporar collage: Fotografías en blanco y negro, periódicos…
¿Cómo se apropia el arte contemporáneo del constructivismo?
El constructivismo ha tenido desde sus inicios mucha influencia en la arquitectura, artes decorativas y diseño gráfico y tipográfico. La Escuela de la Bauhaus y el Art Decó beben directamente de esta corriente coetánea.
Shepard Fairey, más conocido como Obey, es un artista mundialmente conocido por las litografías de la campaña de Obama, entre otros. El cartelismo y la propaganda política ya son puntos en común con esta corriente, pero además la estética, con pocos colores, sin volumen, letras y geometrías pesadas, recuerda claramente al constructivismo. Su obra, además, tiene fuertes influencias del arte urbano y del pop art.
La Primera Guerra Mundial (1914-1918)
El arte es un reflejo de la sociedad. A veces porque la critica; otras porque la representa; otras por la propaganda y otras por la evasión. Sea cual sea la forma de interpretar la realidad del arte, el contexto sociocultural, político, económico e incluso científico es vital para entender el pensamiento de la mayoría de las vanguardias. Y tú, ¿qué tienes que contar sobre tu contexto?
SURREALISMO FIGURATIVO
Después de la guerra, hacia 1924, surge en París y en Europa el surrealismo, y una variante del mismo: el surrealismo figurativo. Se enmarcan en esta corriente Dalí, Magritte y Leonora Carrington.
El surrealismo trata de mostrar la parte irracional, imaginativa y onírica. Está muy ligado al dadaísmo o movimiento dadá.
Sus temas favoritos son los mundos fantásticos, irreales, los sueños, las situaciones ilógicas, los pensamientos prohibidos y ocultos.…
¿Cómo podrías tú acercarte al surrealismo en tu pintura?
- Recrea formas figurativas. Intenta que sea identificable y relativamente realista.
- Plasma iluminaciones coherentes. Crea volúmenes que sean fieles a la realidad.
- Juega con lo ilógico, irreal y fantástico a través de:
- Imágenes y formas con múltiples interpretaciones; por ejemplo, un lago y unas rocas también pueden ser una cara.
- Objetos o escenas presentados sin sentido lógico.
- Influencia de las teorías del psicoanálisis.
- Busca la variedad cromática. No limites tu paleta: azules, ocres, rojos, verdes, blanco… Puedes jugar con la psicología del color.
- Por lo general, usa colores limpios y luminosos.
- Recurre al frottage: Puedes crear dibujos mediante el roce de pigmento sobre superficies con relieve y, a partir de ahí, buscar formas.
- Recurre al cadáver exquisito: Puedes juntarte con otro artista y crear estas figuras surrealistas mediante una composición por turnos.
¿Cómo ha llegado el surrealismo hasta nuestros días?
El surrealismo es, quizás, una de las vanguardias que mejor ha sobrevivido al paso del tiempo, aunque a veces se use muy a la ligera.
El neosurrealismo es atrevido, elegante y misterioso. Encuentra belleza en lo extraño y nos invita a empatizar con la obra. Los avances han supuesto una diferencia en la forma pero no en el significado. Cada artista nos transporta a su universo fantástico a través de su simbología y estéticas personales.
Eugenia Loli crea collages digitales a partir de fotografías y escaneos de revistas antiguas y publicaciones científicas. Ella nos transporta a su propio universo mágico con elegancia, frescura, desenfado y diversión. Obras narrativas que pueden parecer absurdas, pero que, en realidad, tienen muchas lecturas.
SURREALISMO ABSTRACTO
De la mano del surrealismo figurativo nace en París y Europa el abstracto. Son referentes de esta tendencia pictórica Joan Miró, Max Ernst y Paul Klee.
El surrealismo abstracto, al igual que el figurativo, trata de mostrar la parte irracional imaginativa y onírica del subconsciente, pero, a diferencia de este, lo hace sin representaciones figurativas.
Tratan también temas irreales, mundos fantásticos, sueños, pensamientos prohibidos y ocultos…
¿Cómo podrías tú acercarte al surrealismo abstracto en tu pintura?
- Recrea formas abstractas o figurativas. Pero no olvides que en el surrealismo abstracto siempre ha de haber cierta abstracción.
- Aplica el dibujo y la pintura automáticos: Puedes usar este método suprimiendo el subconsciente al crear.
- El volumen e iluminación carecen de importancia. Céntrate en el color y las formas.
- Emplea colores primarios y secundarios, llamativos y fuertes. Usa paletas fovistas que reflejen tu estado de ánimo o tu subconsciente:
- Monocromática.
- Colores complementarios.
- Colores complementarios psicológicos.
¿Cómo se apropia el arte contemporáneo del surrealismo abstracto?
Aunque el surrealismo figurativo es una de las vanguardias más influyentes del siglo XXI, el abstracto ha quedado algo más relegado. El surrealismo contemporáneo tiende a la figuración, al hiperrealismo y al realismo mágico, y tiene multitud de influencias de multitud de estilos. Aun así, encontramos artistas con referencias constantes al surrealismo en sus obras y cierto nivel de abstracción.
Por ejemplo, José Manuel Merello. Este artista denuncia que el peso de Dalí y Magritte es muy fuerte para creadores que, aunque utilicen componentes surrealistas en sus obras, también beben del fovismo, del arte pop, de la pintura abstracta… y, en este caso, sobre todo, del expresionismo.
En sus propias palabras, reniega de que la pintura surrealista deba ser «chiclosa, lamiosa, con degradados siempre blandos y trucos de prestidigitador que esconde culos en manzanas o atraviesa a sus mujeres con vaporosos velos de sirena y destellos nucleares de planetas sinfónicos».
Él proclama recurrir al surrealismo sin abandonar su técnica y otras influencias. Afirma que cuando cambia el sombrero de una mujer por un sol en el ocaso ya está haciendo surrealismo.
«Hoy la pintura es un poderoso legado heredado de siglos, libre y abierto, y de él cada pintor coge cuanto gusta y necesita. Sin fundamentalismos técnicos».
Y de esto precisamente trata este artículo.
PINTURA ABSTRACTA
Este movimiento artístico surge a principios del siglo XX. Durante muchos años se pensó que Kandinski fue su precursor, pero hoy sabemos que Hilma af Klint se adelantó y comenzó su primera serie abstracta en 1906, en Suecia. Además de Af Klint y Kandisnki, destaca Mondrian.
El arte abstracto trata de representar sentimientos, emociones, pensamientos, conceptos… sin representaciones figurativas.
Sus temas más recurrentes son los místicos y los estudios de color, de la forma, de la geometría…
¿Cómo podrías tú acercarte a la pintura abstracta?
- En cuanto a las formas, son tan variadas como conceptos, emociones y sentimientos podemos encontrar, y cada estilo depende tanto del autor como del mensaje: geométrico u orgánico, ordenado o recargado, ígneas, manchas, planos rellenos, mezclas, planos superpuestos, veladuras… Todo vale mientras no recurras a la figuración.
- Es importante que tengas en cuenta la teoría y la psicología del color.
¿Cómo ha llegado el arte abstracto a la actualidad?
Este estilo pictórico ha cobrado mucha relevancia en el panorama artístico actual. Desde sus inicios, abarca multitud de estilos gracias a muchos artistas.
Es difícil generalizar al hablar del arte abstracto, así que nos vamos a centrar en las formas geométricas de Sarah Morris. Su obra se caracteriza por planos de color saturados y vibrantes en obras de grandes dimensiones que crean ritmos en la forma y el color. Colores pulcros, formas limpias y perfectamente delineadas que recuerdan al dibujo técnico y a elementos arquitectónicos.
La Segunda Guerra Mundial (1939-1945)
Con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial acaba el periodo de entreguerras. Este periodo, a pesar de su brevedad, ha dejado huella en el mundo y en el arte. Los avances científicos, la mejora en la calidad de vida, pero también los traumas, los miedos, las fuertes afiliaciones políticas… todo ello produjo un arte que se cuestionaba a sí mismo, que quería romper con el pasado y lo establecido, y cada corriente lo afrontó a su manera.
Muchos sitúan el comienzo del arte contemporáneo en este momento, aunque otros lo retrasan a la década de los 70. Lo que está claro es que el comienzo y fin de la guerra marcaron un antes y un después en la pintura, el arte y el mundo. ¿Qué momentos clave has vivido tú? ¿Cómo los afrontas?
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
El expresionismo abstracto surge en 1940 en la Gran Manzana de la mano de la Escuela de Nueva York, de la que formaron parte algunos de los máximos exponentes de esta corriente como Rothko y Pollock.
Trataban de representar una emoción o sentimiento sin recurrir a lo figurativo, como en la pintura abstracta, pero a través de la fuerza del gesto sobre el soporte y de la obra como testigo del proceso pictórico.
Su tema favorito solía girar en torno a la creación, al proceso pictórico: la emoción, el momento, el movimiento, lo meditativo…
¿Cómo podrías tú acercarte al expresionismo abstracto?
- Recurre a los grandes formatos. Te permitirán expresarte más libremente y, una vez finalizado, será más envolvente.
- Utiliza el action painting o pintura gestual. Puedes usar técnicas como el dripping, ejercicios en los que expreses, a través del movimiento, determinadas sensaciones.
- Practica la pintura all over. El lienzo parece ser un fragmento de una obra más grande. Está manchado casi por completo y normalmente es resultado de técnicas de pintura gestual.
- Recurre al dibujo y la pintura automáticos. Como en el surrealismo, debes suprimir el subconsciente al crear.
- Color-field painting: Este método se centra en las posibilidades expresivas del color a través de planos. Juega con las propiedades meditativas y expresivas del color.
- La paleta suele ser limitada. Usa colores primarios y secundarios, blanco y negro.
¿Cómo ha llegado el expresionismo abstracto a la actualidad?
De la misma manera que la pintura abstracta, y por formar parte de ella, el expresionismo abstracto sigue muy presente en la actualidad.
Heather Hansen, además de artista, es bailarina. Ella crea grandes formas geométricas como resultado de su movimiento consciente sobre el lienzo. En muchas ocasiones, de forma performática con público o documentado. Valiéndose solamente de un carboncillo, un lienzo y su cuerpo, Hansen crea expresivos patrones simétricos como documentación de sus movimientos.
POP ART
Poco después, hacia 1950, surge el pop art en Reino Unido y Estados Unidos como oposición al expresionismo abstracto. Sus representantes más conocidos son Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Robert Rauschenberg.
El pop art, o arte pop en español, trata de representar objetos y personajes icónicos de la cultura popular contemporánea.
Sus temas suelen ser retratos de personajes famosos u objetos icónicos de la sociedad de consumo y de los medios de comunicación de masas. Tratan de elevar la representación de estos nuevos símbolos culturales.
¿Cómo podrías tú acercarte a la pintura pop?
- Es un arte figurativo y realista. Aunque puedes abstraerte hasta cierto punto, la imagen representada debe estar clara. También puedes jugar con el color.
- Suelen tener una fuerte carga visual. Puedes utilizar:
- Textos, tipografías y logotipos.
- Colores puros y brillantes.
- Patrones y tramados.
- Limita tu paleta. Usa colores primarios, secundarios, blanco y negro.
- Emplea la serigrafía. Si tienes oportunidad, esta técnica permite reproducir copias en colores intensos, a la vez que hacemos pruebas con distintos colores pero con las mismas formas.
¿Cómo ha llegado el arte pop a nuestros días?
Es inevitable que esta corriente haya ganado protagonismo en la actualidad con la cantidad de imágenes mediáticas y símbolos culturales que surgen a diario. Así es como el término neopop cobra forma en los años ochenta, como resultado de esta saturación.
Con influencias del cómic, los dibujos animados, los anuncios, los medios de masas…, el arte pop sigue haciendo referencia a símbolos culturales pero con una iconografía más compleja, a menudo con carácter irónico o parodia.
Luis Quiles hace precisamente eso. Utiliza iconos culturales para representar la doble moral de la sociedad actual de una forma muy irónica, a veces paródica. Aunque no usa una estética pop, incorpora características de esta corriente en sus ilustraciones (iconografía, personajes actuales o históricos, redes sociales, dibujos animados, marcas…) en ilustraciones que incomodan y provocan.
Y a ti, ¿qué características de estos estilos pictóricos te llaman la atención? Puede que de alguno sea el concepto, en otros la ejecución, el acabado…
Busca tu camino inspirándote y aprendiendo del pasado. Dale una identidad única a lo que llevas dentro conociendo mejor tus antecedentes.