Chema Madoz y el desorden de la lógica

Las fotografías de Chema Madoz siguen funcionando como pequeñas grietas en la realidad: alteran la lógica habitual de los objetos y nos recuerdan que las cosas nunca son tan evidentes como parecen. Quizá por eso resulte tan coherente que, cuando se le pregunta por el origen de sus ideas, el fotógrafo y Premio Nacional de Fotografía en 2000 —entre los muchos galardones que atesora— admita que para él también sigue siendo un misterio. No hay fórmulas ni un método infalible para encontrar nuevas asociaciones entre los objetos, sino una mezcla de intuición y curiosidad que lleva décadas cultivando. Con motivo de su participación en PHotoESPAÑA 2026, hablamos con él sobre la naturaleza que se ha colado en sus últimas imágenes, la capacidad de los objetos para escapar de su propia definición y la necesidad de reivindicar, de vez en cuando, el arte de distraerse. En la reciente exposición en la Galería Elvira González has reunido fotografías realizadas entre 2024 y 2025. ¿Existe algún nexo entre las piezas de este periodo? Si hay algo que caracteriza estas obras es que se sitúan dentro del territorio en el que me he ido moviendo durante todos estos años. Creo que ha habido un ejercicio de ampliación tanto de los motivos de interés como de las maneras de acercarme al objeto y a elementos procedentes de la naturaleza. Conceptualmente es un trabajo muy cercano a todo lo que he venido haciendo, pero sí hay un pequeño cambio al pasar de trabajar con objetos, que tienen una función y un lugar muy definidos, a hacerlo con elementos de la naturaleza, como las mariposas o el viento. Son pequeños guiños a otras posibilidades. Se puede decir que, junto con los objetos cotidianos y la naturaleza muerta, aquí introduces elementos de la naturaleza viva... Sí, quizás. Y digo lo de «quizás» porque las mariposas están muertas —ríe—. El concepto de naturaleza muerta está presente, de alguna forma, en todo mi trabajo, aunque se aleja bastante de lo que entendemos tradicionalmente por ella. Me interesa jugar con otro tipo de gramática, aunque formalmente exista cierta cercanía. Siempre he tenido la sensación de que mis fotografías muestran un orden formal muy evidente que, en realidad, sirve para poner en valor el desorden, concretamente el desorden de la lógica. Hay algo que se suele atribuir a tu fotografía y es tu búsqueda del misterio en lo cotidiano. ¿Es algo connatural en ti o has aprendido a mirar de esa manera? No tengo fórmulas, la verdad. No hay, digamos, una manera o unos pasos a seguir para llegar a un resultado. Para mí es algo que sigue conservando un poco el misterio. El otro día compraba el libro Cómo nacen las ideas, del autor italiano Eduardo Boncinelli, porque, realmente, yo necesito que me aclaren de dónde proceden. Es una pregunta que me hacen de forma recurrente y siempre me quedo con la sensación de que soy incapaz de responderla. Hay algo de misterioso en todo el proceso. Pero eso, a su vez, también es lo que hace que siga insistiendo, porque persiste esa sensación de misterio, de algo que resuelves, pero no sabes muy bien cómo lo has conseguido. ¿Y qué peso le das dentro de ese misterio a todos tus referentes: a las fotografías, cuadros o películas que has visto; a los libros que has leído...? Está claro que todo esto forma parte de la educación de uno mismo. Al final, siempre tienes una serie de artistas, libros e imágenes que han educado tu mirada, que te han enseñado a ver, y en ellos has podido ir descubriendo algo que, quizás, en un principio no intuias y que luego te ha permitido investigar más a fondo. En el momento en el que comencé a trabajar con el objeto tuve la sensación de que había entrado en un terreno en el que no se había investigado lo suficiente. Una sensación, por otro lado, equivocada, que yo creo que era simplemente fruto de mi desconocimiento en aquel momento, porque a lo largo de la historia del arte ha habido muchísimos trabajos centrados en el objeto, pero yo no era consciente. Lo que sí es cierto es que, en el momento en que empiezo a trabajar con el objeto, lo siento como un lenguaje propio, con el que me identifico y que me permite expresarme a mí mismo. Una vez que trabajas con un objeto y le otorgas otro significado, ¿puedes volver a mirar y a relacionar ese objeto con su función cotidiana? Es cierto que, de alguna manera, esa nueva mirada persiste, pero eso no impide que pueda seguir buscando en él otras referencias que, a lo mejor, se han quedado en el aire y no he tocado en ese momento. En mis fotos hay muchos elementos que se repiten, como pueden ser los naipes, los libros o la música… Y cada vez extraigo nuevas miradas de ellos. Si te acercas, por ejemplo, a una partitura, no la puedes dar por agotada con una sola imagen. Siempre he entendido que existe un campo abierto, un trabajo que te permite acercarte a cada objeto desde diferentes ángulos. En alguna ocasión has declarado que vivimos demasiado condicionados por el concepto o la definición que lleva asociada cada objeto. ¿Tu trabajo, de alguna manera, consiste en eso, en liberar a los objetos de su propia función? No sé si será la totalidad del trabajo, pero sí creo que, al menos, hay una gran parte que consiste en liberar al objeto de su propia función. Buscar matices y conceptos que están implícitos en el propio objeto y que casi todos intuimos en él, y que, con pequeñas variaciones, consigues poner en evidencia. Dices que no sueles buscar la sonrisa del espectador, que quizás es una consecuencia, pero que no la buscas. ¿Dirías que tus imágenes necesitan una serie de fases para mirarlas y procesarlas? Diría que el espectador pasa por fases muy similares a las que paso yo. Hay un primer momento de desconcierto, una cierta sorpresa; después llega el reconocimiento al comprobar que había algo en el objeto que se plasma en la imagen y de lo que no éramos —yo el primero— conscientes... Y es ahí donde, a veces, entra ese punto de humor, de sorpresa, la sonrisa… Ese proceso es cierto que se repite constantemente, pero, en realidad, no lo persigo. Aunque para mí es gratificante cuando el espectador reconoce en una imagen el ejercicio que he intentado hacer con ella y lo asume y lo entiende también como propio. Me da la sensación de que intentar conocer el proceso de creación de una imagen de Chema Madoz es como tratar de conocer el truco de un mago. ¿Es un poco así? Bueno, algo de eso puede haber. Precisamente, en esta exposición contamos con la colaboración de un mago en la galería. Realizó algunos trucos de magia relacionados con la exposición y, la verdad, fue muy divertido porque puso en evidencia, de alguna manera, la relación entre la magia y la fotografía. Fue un espectáculo del que disfrutamos mucho tanto el público como yo mismo. Otro concepto que creo que suele acompañar a tus imágenes es el de greguería visual. Incluso has llegado a colaborar en un libro de greguerías de Gómez de la Serna. ¿Hasta qué punto te encuentras cómodo con esta asociación? Curiosamente, y a pesar de no haber leído prácticamente greguerías, es cierto que es un concepto muy cercano a mi trabajo. En el caso del libro de Ramón Gómez de la Serna, se trataba de unas greguerías inéditas y me propusieron participar en su edición. Lo que tenía claro es que no quería ilustrar las greguerías porque no tenía sentido, al ser imágenes que ya vienen resueltas. Lo que me interesaba era sentir el proceso como propio y hacer mi propio descubrimiento, si se puede llamar así. Y entonces lo que hicimos fue elegir fotografías también inéditas en aquel momento para publicar junto a las greguerías. Corrígeme, pero tus imágenes no suelen llevar título, ¿verdad? Sí, eso es. La idea es dejar una puerta abierta para hacer partícipe al espectador y para que entienda la realidad desde su propio ángulo, de la misma manera que lo he podido hacer yo. Es decir, que se genere una especie de juego de interpretación por mi parte y también por parte de quien se enfrenta a la fotografía. Otra cuestión que tenía que salir en esta conversación es la IA Pues, la verdad, apenas me he acercado a ella. Por un lado, me da un poco de respeto porque tengo una cierta curiosidad, pero estoy en un momento en el que todavía no me manejo lo suficiente con ella para tener una opinión al respecto. La última pregunta tiene que ver con el título de tu próxima exposición: Manual del distraído. ¿Crees que la distracción está infravalorada? Yo es que cargo con ello y lo veo con buenos ojos. El de la exposición es un título que me resultaba atractivo y, además, refleja cierta actitud. Creo que estar pendiente de pequeños detalles te lleva a estar un poco más descentrado, si se puede decir así, con el día a día. O, al menos, a tener la sensación de que, a veces, las cosas se te escapan de las manos por tener la cabeza en otro lado.